GRANDES MOMENTOS DE LA HISTORIA DEL ARTE

ARTE MODERNO

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Presencial

DÍA Y HORARIO (OPCIONALES)

Martes de 11 a 12.30h
Jueves de 19 a 20.30h

ANDY WARHOL: EL MAGO DEL POP

¿Podemos pensar el Pop Art sin Warhol? Imposible hacerlo concebir el pop sin sus latas de sopa Campbell o sus “Marilyns” de estridentes colores, que se eternizan como obras capitales de toda la cultura del siglo XX. Andy Warhol (1928-2987), fue el gurú del arte en la era del consumo y el auge de los mass media. Ilustrador, publicista, escritor, gestor de la banda experimental Velvet Underground, director y guionista de cine, también fue pintor… Su sola presencia en un evento lo ponía de moda y fue el rey de las celebridades a finales de los ‘60 y en los “‘70 en Nueva York. Nos proponemos estudiar sus estrategias que lo hicieron protagonista del arte y su fascinante personalidad.

HERNRI DE TOULOUSE LAUTREC: UN ARTISTA FUERA DE SERIE

Excepcional pintor, dibujante, litógrafo, afichista que renovó cada uno de los lenguajes que abordó y tuvo el tiempo de ser protagonista de las noches bohemias de París a fines del siglo XIX. Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) nunca olvidó el humor en sus realizaciones y siempre se ocupó de poner en evidencia sus dificultades al querer renovar el lenguaje de la pintura de su tiempo. El curso propone abordar su obra tan coherente como polifacética y fundamental para la consolidación del arte de inicios del siglo XX.

CASPAR DAVID FRIEDRICH: EL ABISMO Y LA INMENSIDAD DE LA NATURALEZA

Caspar David Friedrich (1774-1840), sobresaliente paisajista alemán, dejó en sus obras una expresividad subjetiva única. Sus pinturas retratan parajes desconocidos, inhóspitos y fascinantes de la Alemania rural. De personalidad retraída, su timidez no le impidió expresar las vistas más asombrosas jamás pintadas. Nos adentraremos a conocer su destreza técnica del autor y esa sensibilidad diferente que llevó a Friedrich a ser coronado como el artista de lo sublime.

EDWARD HOPPER: EL SILENCIO Y LA INTIMIDAD DEL SUEÑO AMERICANO

El curso propone revisar la obra de uno de los artistas estadounidenses más famosos que no cedió al ímpetu abstracto y rupturista de su tiempo. La obra de Edward Hopper (1882-1967) parece expresar un silencio de la gran urbe industrial que fue Nueva York. Su pintura fue la que mejor retrató la intimidad de la sociedad norteamericana atrapada en los vaivenes de la modernidad capitalista. Estudiaremos las etapas de este artista tan icónico, su producción gráfica y los debates que dio frente al expresionismo abstracto.

CLAUDE MONET: PINTOR DEL CAMPO, EL AGUA Y EL CIELO

Entre los pintores más destacados de todos los tiempos, Claude Monet (1840-1926) fue un colorista por antonomasia. Este trabajador de la pintura, creador de técnicas y de enormes series como: los nenúfares, los álamos, los reflejos en el agua y tantas otras como las de los jardines y los campos visitados por los nuevos trenes. Fue realizador de Impresión, sol naciente que cediera en nombre a la tendencia de la que fue el líder. En estos encuentros recorreremos su obra desde los inicios hasta sus trabajos que serán las bases del color del arte abstracto.

SALVADOR DALÍ: EN SU GENIAL EXTRAVAGANCIA

Virtuoso, divertido, monárquico y egocéntrico, Salvador Dalí (1904-1989) cautivó espectadores con sus poderosas obras, arrogantes palabras y particularismos bigotes. Fue un surrealista insurrecto, de novedosas propuestas, hábil con los negocios y se lo puede considerar de los primeros performers de la historia del arte. El amor por Gala y el dinero marcaron su horizonte. Se presentaba con la frase “El surrealismo soy yo” y de se coronó como artista y traspuso las artes visuales para trabajar en el cine en Hollywood. Nos proponemos revisar su obra, desde sus comienzos en Madrid hasta las obras del castillo de Púbol, de sus últimos años.

AUBREY BEARDSLEY: UN NIÑO TERRIBLE

Aubrey Vincent Beardsley (1872-1898) perteneció a una elite de artistas que transformaron la manera de pensar el arte. Lo decorativo, lo manual y lo artesanal cobró calidad artística en sus manos.
Su obra se caracterizó por la inspiración japonesa, las ilustraciones editoriales y los temas eróticos. Nos proponemos estudiar la obra de este niño terrible, sus dibujos y grabados, sus diseños y proyectos en sintonía con referentes de su época como Gustav Doré o Harry Clarke. También exploraremos la relación de sus trabajos con las escuelas de diseño de Londres y Glasgow, tramando un mapa que une arte, vida y diseño.

Lic. Santiago Erausquin

Lic. en Artes con orientación en Artes Plásticas, FyL-UBA; Lic, en Artes Visuales, IUNA; Prof. Nacional de Bellas Artes orientación Grabado, Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” y Diseñador gráfico, FADU-UBA. Se desempeña como docente de Historia del Arte especializándose en los siglos XIX y XX. Trabajó en distintas universidades (UBA, USAL, UMSA, entre otras), profesorados y terciaros (ISP-AAAP, CENCAP, CACIPRA). Fue capacitador en proyectos de formación a docentes (CEPA-Escuela de Maestros) y es Profesor Titular de Historia del Arte e Historia del Arte Contemporáneo (ISER). Dicta cursos y seminarios en Amigos del Bellas Artes desde 2008. Artista plástico, ilustrador y diseñador de Editorial Cencerro.